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Appel à candidatures : résidence d’écriture à Edenkoben (Allemagne) / Août 2024

Une résidence d'un mois (août 2024) au Centre artistique d’Edenkoben en Rhénanie-Palatinat (Allemagne).   Lire la suite

Appel à candidatures: résidence d’auteurs RÉCIT’CHAZELLES

La résidence d’auteurs RÉCIT’CHAZELLES lance son APPEL À CANDIDATURES. La date limite d'inscription est fixée au 30 MARS 2024. Lire la suite

Appel à candidatures: résidences à la Villa Kujoyama en 2025

En 2025, la Villa Kujoyama accueillera environ quinze lauréats et lauréates pour des résidences de 4 à 6 mois. Les lauréats et lauréates sont appelés à nouer des relations de travail avec les milieux professionnels, universitaires, artistiques et culturels de Kyoto, de la région du Kansai et de l’ensemble de l’archipel. Les candidatures peuvent être déposées par un candidat solo, en binôme, ou en duo franco-japonais. Cette année, le processus de sélection est également ouvert aux duos et binômes Arts et Sciences.   Lire la suite

Lancement du site Lecture-Justice

La Fédération interrégionale du livre et de la lecture (Fill), en partenariat avec le ministère de la Culture et le ministère de la Justice, lance le site Internet Lecture-Justice afin d’accompagner le déploiement de projets livre et lecture auprès des personnes placées sous main de justice.   Lire la suite
la gioia2
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Théâtre national de Bordeaux en Aquitaine
Théâtre du Port de la Lune
Adresse :
Place Renaudel
Square Jean Vauthier
33000 BORDEAUX
Téléphone : 05 5633 36 80
Tram C : Arrêt Sainte-Croix
Site web : http://www.tnba.org

La Gioia

Emilia Romagna Teatro Fondazione - Compagnie Pippo Delbono
Un spectacle de Pippo Delbono

Traduction Serge Rangoni

Du 6 au 9 octobre 2020

Avec Dolly Albertin, Gianluca Ballarè, Margherita Clemente, Pippo Delbono, Ilaria Distante, Simone Goggiano, Mario Intruglio, Nelson Lariccia, Gianni Parenti, Pepe Robledo, Grazia Spinella
Et la voix de Bobò

Dirigeant depuis le plateau ses interprètes inoubliables, Pippo Delbono orchestre un tourbillon d’images, de lumières, de musiques et de fleurs. Une seule destination : la joie.

Retrouver la joie : c’est le chemin que propose au public l’inclassable artiste italien Pippo Delbono, metteur en scène, interprète, réalisateur, qui depuis trente ans signe l’une des œuvres les plus singulières du théâtre européen. Au cœur de ce nouveau spectacle foisonnant, pourtant, une absence : celle de son acteur fétiche, Bobò (disparu en 2019) dont seule la voix résonne encore sur la scène. Pour lui rendre un hommage d’autant plus vibrant, Pippo Delbono et ses interprètes multiplient les gestes, des plus infimes aux plus spectaculaires, dans une quête permanente d’émotions à vif, propres à transformer leur tristesse et la nôtre en une joie extatique. Rien de convenu, rien de galvaudé pourtant dans cette émotion qu’ils partagent, avec une infinie générosité et une ferveur intense, avec le public. Pour se hisser à la hauteur de leur pari, ils convoquent sur scène tous les moyens dont le théâtre est capable, dans un mélange unique de danse, de musique, de cirque. Les contradictions, l’imprévu seront le signe même du caractère insaisissable de cette vie que la troupe fait déborder du plateau. Cette joie-là sera une victoire, obtenue de haute lutte, sur la douleur, sur l’obscurité : un cheminement, tout à la fois intime et partagé, vers l’aveuglante lumière de la beauté.

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Tarif préférentiel à l’attention des adhérents de la SGDL : 18€ au lieu de 26€, dans la limite des places disponibles en précisant le code SGDL lors de la réservation par téléphone ou par courriel

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moby
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Moby Dick
ou les enfants de Rachel

D’après le roman d’Herman Melville
Adaptation et mise en scène Stuart Seide

Avec Jean-Quentin Chatelain

Du 6 au 17 octobre 2020
Du mardi au vendredi à 20h / samedi à 19h

En route pour l’aventure ! Porté par le verbe puissant de Jean-Quentin Chatelain, Stuart Seide part à l’assaut du roman mythique de Herman Melville. Embarquement pour un récit épique.

Moby Dick, le monstre : un cachalot légendaire poursuivi par le capitaine Achab par-delà les mers, au péril de sa vie et de celle de son équipage. Monstre de la littérature, aussi, qui brasse dans une intrigue haletante les grandes questions métaphysiques : la lutte entre le Bien et le Mal, le sens de l’existence, la place de l’Homme dans l’univers. Écrit dans une langue aussi sublime et noueuse que les paysages maritimes qu’il décrit, le roman de Melville fait partie de ces œuvres qui, comme la bête éponyme, ne cessent de hanter celles et ceux qui la rencontrent. Trente ans après une première confrontation avec ce texte, le metteur en scène Stuart Seide remonte à bord du bateau et signe une nouvelle adaptation et traduction. Seul sur les planches, l’acteur Jean-Quentin Chatelain porte la voix du narrateur, Ismaël, seul survivant du naufrage du baleinier. Il fallait ces deux travailleurs infatigables de la langue pour donner, en contrepoint de l’intimité du conte, toute la puissance épique contenue dans la prose de Melville. Moby Dick est l’histoire d’une quête, d’une obsession contagieuse, qui fait vaciller les frontières du rêve et de la réalité — déjà, en un sens, une réflexion sur le pouvoir de l’acteur à entraîner le public jusqu’aux limites, dans les rêves les plus fous de l’humanité.

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la scortecata
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La Scortecata

Librement adapté de Lo cunto de li cunti de Giambattista Basile
Texte et mise en scène Emma Dante
Traduction du texte en français Juliane Regler

Avec Salvatore D’Onofrio, Carmine Maringola

Du 13 au 17 octobre 2020
Mar au ven à 20h / Sam à 19h

Peau neuve ! Emma Dante transforme un conte napolitain du XVIIe siècle en un spectacle truculent et virtuose qui interroge jusqu’au vertige le pouvoir de l’illusion théâtrale.

Un roi libidineux s’amourache d’un doigt aperçu au travers d’une serrure — sans savoir que, derrière la porte, deux sœurs nonagénaires cherchent à le duper. La sicilienne Emma Dante, qui a déjà présenté au TnBA Le Sorelle Macaluso, adapte pour la scène Les Deux Vieilles du collectionneur de contes napolitains Giambattista Basile. Portés par la vigueur du savoureux dialecte napolitain ancien, où le sublime tutoie le trivial avec une énergie toute rabelaisienne, deux comédiens étourdissants enfilent robes et rôles et donnent chair à une galerie de personnages pittoresques. En contrepoint d’une grande économie de moyens scéniques, ils déploient au contraire un imaginaire théâtral volubile et sans limite, plein de verve, d’exubérance et de jubilation. Car il est bien question ici de faire passer deux hommes pour deux sœurs, deux vieilles peaux pour deux pucelles, de donner à la misère tous les atours de la splendeur. Tisser le rêve et le réel, interroger le pouvoir et les limites du théâtre, donc, sont le prix à payer pour transformer le concret le plus sordide en fantasme échevelé. C’est le terrain de jeu par excellence d’Emma Dante qui puise dans la langue de Giambattista Basile et les mythes de sa terre natale des formes résolument modernes et concrètes. Et pousse la confrontation entre l’imaginaire et la réalité jusqu’à son point d’incandescence.

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lee fou messica 1 0
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La Nuit juste avant les forêts

Texte Bernard-Marie Koltès
Mise en scène et scénographie Catherine Marnas

Avec Iljir Selimoski

Du 3 au 7 novembre 2020
Du mardi au vendredi à 20h / Samedi à 19h

Catherine Marnas et Iljir Selimoski se rencontrent pour donner voix et chair à un immense chant d’amour à l’inconnu, traversée nocturne illuminée par la beauté enivrante de la langue de Koltès.

La Nuit juste avant les forêts est l’histoire d’une rencontre décisive, de celles qui nous marquent pour ne plus nous lâcher : non seulement parce que la pièce raconte la rencontre de deux inconnus, mais parce qu’elle a pour point de départ le coup de foudre d’Iljir Selimoski pour le texte de Koltès, et sa rencontre rare avec Catherine Marnas. Une nuit, sous la pluie, un homme aborde un inconnu pour lui demander une chambre. Commence alors à se dérouler le fil de sa parole — sans doute aussi le fil de sa vie, dans un appel poignant où se rejoignent quête d’amour, cri de désespoir autant que de besoin et de désir. Cette parole vitale, c’est d’abord la langue de Bernard-Marie Koltès, l’une des plus puissantes du XXe siècle. Après un long silence dans son travail d’écriture, elle trouve pour la première fois dans ce texte les inflexions qui deviendront sa signature. Elle se déploie ici en une phrase unique, un flot lyrique et rythmé, un paysage de ténèbres traversé d’illuminations. Cette langue, poétique, politique, accompagne depuis toujours Catherine Marnas dans son questionnement sur la figure de l’Autre, sur sa parole singulière et l’espace qu’il faut créer pour l’accueillir et l’entendre. Comédien au parcours atypique qui porte dans sa chair et son histoire la soif de vie inscrite au cœur du texte de Koltès, Iljir Selimoski l’incarne avec une nécessité viscérale. Habité par ces mots fondateurs dans son parcours, il s’aventure seul en scène dans cette nuit comme aucune autre, où face à la menace du désespoir, la parole devient quête de lumière, acte de résistance.

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A Bright Room Called Day
…Une chambre claire nommée jour

Texte Tony Kushner
Mise en scène Catherine Marnas
Traduction Daniel Loayza

Avec Simon Delgrange, Vincent Dissez , Annabelle Garcia, Julie Papin, Tonin Palazzotto, Agnès Pontier, Sophie Richelieu, Yacine Sif El Islam, Bénédicte Simon


13 et 14 novembre 2020
Ven à 20h / Sam à 19h

Mise en perspective radicale de l’histoire, la pièce de Tony Kushner interroge avec urgence le glissement de nos démocraties. Créée la saison dernière, la mise en scène de Catherine Marnas en révèle toute la charge explosive.

Un groupe d’amis fête le passage à la nouvelle année. Un an plus tard, leurs relations, leurs valeurs, leurs vies auront basculé dans le chaos. Cela se passe à Berlin en 1933. Ou à New York dans les années 1980. Et sans doute, ici et maintenant. Tony Kushner sait concilier fresque épique et engagement politique sans concession, comme en témoigne Angels in America, pièce pour laquelle il a reçu le Prix Pulitzer. En 2019, il reprend A Bright Room Called Day, créée en 1985, pour coller au plus près de l’actualité. La première version de la pièce interrogeait le lien entre la politique de Hitler et celle de Reagan, en ponctuant le récit berlinois des interventions d’une anarcho-punk new-yorkaise. La nouvelle version, traduite ici par Daniel Loayza, poursuit son interrogation jusqu’à englober la figure de Trump, en faisant cette fois monter sur scène un avatar de l’auteur lui-même. En télescopant les époques et les récits, l’auteur met en évidence les lignes de faille des États-Unis (et des États européens) pour qui le fascisme n’est plus un épouvantail, mais une réalité bien concrète vers laquelle nous glissons — ou refusons de glisser. Entourée de compagnons fidèles et de jeunes comédiens issus de l’éstba, Catherine Marnas mène la fable de Kushner tambour battant, au rythme d’une musique qui donne à l’histoire du monde des allures de cabaret infernal. Un regard sans concession sur la farce tragique de notre actualité, les rôles que nous y jouons — et notre responsabilité dans l’écriture de son dénouement.

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 gros
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Gros

Texte Sylvain Levey
Mise en scène et dispositif scénique Matthieu Roy
Texte à paraître aux Éditions Théâtrales

Avec Sylvain Levey

Du 17 au 27 novembre 2020

Avec délicatesse et humour, l’auteur et comédien Sylvain Levey nous parle de son rapport, et du nôtre, à la nourriture et au corps. De l’art de conjuguer pudeur et générosité.

L’adolescence est le temps de toutes les transformations. Sylvain Levey les a souvent décrites dans son travail d’auteur, lui qui, depuis une quinzaine d’années, signe une œuvre énergique et sensible, drôle et engagée, largement traduite et récompensée. Mais avant d’écrire, l’auteur a été comédien, et avant d’être comédien, il a été gros. Rien d’anodin là-dedans, tant notre rapport au corps définit notre rapport au monde, la manière dont nous nous percevons, dont nous sommes perçus, aussi. Dans Gros, justement, Sylvain Levey monte sur scène pour raconter comment, vers l’âge de dix ans, un enfant crevette se métamorphose « en hippopotame, en montgolfière ou en petit gros ». Sous le regard complice du metteur en scène Matthieu Roy, il nous fait, dans tous les sens du terme, entrer dans sa cuisine : un espace à la fois intime et partagé, propice aux confidences, aux plaisirs, mais aussi aux inquiétudes liées à la nourriture. Derrière cet autoportrait en mangeur, affleurent des questions qui concernent chacun, à la fois dans son intimité et dans ses rapports aux autres : ce que notre corps révèle ou trahit de notre société, de son rapport à l’image. Ces questions, Sylvain Levey les aborde sans fausse pudeur, armé du courage que lui donne l’énergie d’une écriture qui toujours privilégie la vivacité, l’engagement et l’émotion. « On peut pleurer à tous les âges et à tous les poids. » Et rire, aussi.

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La Double inconstance

Texte Marivaux
Mise en scène Galin Stoev

Avec Léo Bahon, Maud Gripon, Aymeric Lecerf, Thibaut Prigent, Jean-Christophe Quenon, Mélodie Richard, Clémentine Verdier

Du 2 au 5 décembre 2020
mar au sam à 19h30

Bras de fer entre deux absolus : l’amour d’Arlequin et Sylvia, le pouvoir des puissants. Marivaux et Galin Stoev passent l’amour au scalpel dans un jeu de liaisons très dangereuses.

Les textes ne sont classiques que si l’on oublie leur capacité à prédire l’avenir en même temps qu’à raconter leur époque. Dans La Double Inconstance, Marivaux met face à face la violence du désir et la violence du pouvoir, observe à la loupe la manière dont le mensonge délibéré transforme la vérité au point de mettre en doute jusqu’à son existence. C’est sous l’angle de la post-vérité, cette redéfinition du réel qui privilégie la subjectivité aux faits, que Galin Stoev entre dans le labyrinthe fascinant du texte de Marivaux, avec lequel il entretient depuis longtemps une affinité élective. D’origine bulgare, le metteur en scène explore avec une précision clinique la langue de l’auteur, mécanique infernale autant que jouissive qui plonge les personnages dans le trouble au moment même où ceux-ci croient s’en extirper. Souris prises au piège de situations aussi cruelles que raffinées, ils se débattent sous nos yeux, provoquant le rire et l’effroi, avec une cruauté qui annonce déjà celle de Sade. Dans une scénographie impressionnante et résolument contemporaine qui tient du laboratoire d’expérimentations plus que des bosquets romantiques, nous les observons, oscillant sur un fil tendu entre cruauté et sensualité, découvrir l’amour. Ou le perdre ?

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please 1ok
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Please, Please, Please

Un spectacle de La Ribot, Mathilde Monnier et Tiago Rodrigues
Traduction Thomas Resendes

Avec Mathilde Monnier, La Ribot

Du 8 au 10 décembre 2020
Mar au jeu à 20h

Message à l’adresse du futur : entourées par les mots de Tiago Rodrigues, les chorégraphes La Ribot et Mathilde Monnier préparent l’avenir en dansant.

La Ribot et Mathilde Monnier ne dansent jamais là où on les attend. Artiste hors cadre, la première développe un langage au croisement des disciplines, danse, arts plastiques, film, explorant sans cesse leurs points de rencontre et de friction. La seconde renouvelle constamment sa recherche chorégraphique par la recherche de l’altérité, collaborant notamment avec Philippe Katerine, Christine Angot, Jean-Luc Nancy. Onze ans après leur première collaboration, les deux artistes se retrouvent ici comme conceptrices et interprètes au plateau. Signe de leur incessante capacité à se réinventer : elles collaborent cette fois avec l’auteur et metteur en scène portugais Tiago Rodrigues. Ensemble, ils font face à la grande question du monde à venir. Que faut-il léguer aux générations futures ? Face aux interrogations, aux inquiétudes comme aux espoirs : la parole et le geste. En combinaisons aux couleurs électriques, partageant le plateau avec une installation scénographique ovniesque, les deux interprètes enchaînent histoires et mouvements, transforment leurs corps et leurs voix en une archive de l’humanité, infime et grandiose. S’engageant physiquement dans un dialogue intense avec le futur, elles convoquent sur scène des images fiévreuses et puissantes pour interroger notre rapport au temps qui passe, au temps qui vient.

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guillaume
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Guillaume Gallienne, seul-en-scène
François, le saint jongleur

Texte Dario Fo
Adaptation et traduction Toni Cecchinato et Nicole Colchat
Mise en scène Claude Mathieu de la Comédie-Française

Avec Guillaume Gallienne de la Comédie-Française

Du 9 au 11 décembre 2020
Du mercredi au vendredi à 19h30

Seul en scène, Guillaume Gallienne s’empare des mots savoureux de Dario Fo et rend au personnage de saint François d’Assise toute son espièglerie. Derrière le saint : le trublion.

Révolutionnaire, saint François d’Assise ? Si la tradition catholique nous a légué l’image d’un doux illuminé qui conversait avec les oiseaux, le saint patron des écologistes était aussi un homme qui avait rejeté la bourgeoisie du xiie siècle italien dont il était issu pour chercher durant toute sa vie la joie dans la pauvreté. Et c’est bien de ce caractère subversif que s’inspire Dario Fo lorsque l’infatigable homme de théâtre italien, couronné en 1997 par le Prix Nobel de littérature, entreprend d’écrire son histoire. Rien de pontifiant donc dans ce monologue où l’auteur de Mystère bouffe révèle, sous le froc du saint, la hâblerie du jongleur. Profondément engagé, Dario Fo s’est toujours inspiré du théâtre de tréteaux du Moyen-Âge pour créer une œuvre aussi populaire que politique. C’est dans cet esprit, et avec la seule énergie de la parole et du jeu, que Guillaume Gallienne s’est emparé de son texte, sous le regard de Claude Mathieu. Prodigieux conteur, le sociétaire de la Comédie-Française s’engage dans un généreux face à face avec le public pour rendre à François toute sa puissance subversive. Le verbe haut, il emboîte joyeusement le pas du saint médiéval et fait de la nudité du plateau la planche d’appel d’un imaginaire débridé, d’une jubilation intarissable des mots et du jeu.

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 glovie 1
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Glovie

Texte Julie Ménard
Mise en scène Aurélie Van Den Daele - Artiste compagnonne

Avec Mara Bijeljac, Camille Falbriard, Sidney Ali Mehelle


Du 15 au 19 décembre 2020
À partir de 8 ans
À voir en famille

La nuit, tous les rêves sont permis ! Né.e de l’imaginaire de Julie Ménard et Aurélie Van Den Daele, Glovie vous entraîne dans ses aventures qui redonnent des couleurs à la grisaille de la vie.

La nuit, Glovie, dix ans et demi, a des super pouvoirs et vit dans la capsule d’un vaisseau spatial. Le jour, Glovie quitte la chambre de motel où iel* vit depuis quatre ans avec sa mère et lutte pour cacher la précarité de leur situation à ses camarades de classe. Dans Glovie, l’auteure Julie Ménard a voulu parler de courage, en créant un personnage d’enfant, à la fois fille et garçon, qui par la puissance de sa fantaisie, tient à distance une réalité qui ne lui fait pas de cadeaux. Figure attachante et débordante de vitalité, interprété par Camille Falbriard, ancienne élève de l’éstba, Glovie nous parle de la difficulté de se construire dans la précarité, dans l’ignorance de ses origines. À cela, iel* oppose la force du rêve et du lien qui l’unit à sa mère. Pour donner vie au monde intérieur bariolé de Glovie, qui se rêve en star de la chanson ou en aventurier.e de l’espace, Aurélie Van Den Daele, nouvelle artiste compagnonne du TnBA, déploie un théâtre ample et généreux, qui ne boude pas le plaisir du spectaculaire. En explorant toutes les ressources techniques du plateau, la metteuse en scène ouvre grand l’imaginaire sur les cultures contemporaines et populaires, notamment cinématographiques. Le théâtre devient cet espace où Glovie apprend à tisser le rêve et la réalité, à trouver leur juste équilibre. « Un enfant, ça ne peut pas être pauvre » : en déployant les trésors de son imagination, Glovie nous en donne une preuve aussi éclatante que joyeuse.

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